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La intervención de las sabinas

La intervención de las sabinas


Blog de Barbra Dozier & # 039s

La pintura es una forma de arte que ayuda a los artistas a expresar sus sentimientos y emociones interiores. Las secciones de este artículo discutirán los argumentos presentados por Grigsby sobre la pintura de “la intervención de las sabinas” que fue creada por Jacques-Louis David.

En resumen de la historia del arte, Jacques-Louis David fue uno de los artistas más reconocidos de la sociedad. Durante su tiempo en prisión, pudo poner un cuadro de su mente imaginativa y creativa (Grigsby, 319). La pintura que se conoció como “la intervención de las sabinas” presentaba negativamente a los hombres en la sociedad. David presentó a los hombres en su pintura como desnudos, lo cual no era algo aceptable en la sociedad. A pesar del jadeo que cuelga en varios museos de la sociedad actual, plantea cuestiones controvertidas que merecen ser investigadas. Esta es la razón por la que Gitsby estaba preocupado por la imagen retratada por la pintura. En primer lugar, Gitsby está muy preocupado por las razones por las que David retrató a los hombres en su pintura como desnudos mientras que las mujeres estaban bien cubiertas. A Gitsby le preocupa el contenido de la pintura, ya que es contrario a las expectativas de la sociedad (Grigsby, 320). A la luz de esto, calificó la pintura de impropia e históricamente inexacta. Su argumento parece ser sólido ya que la mayoría de los académicos de la sociedad no solo estaban preocupados por el tema de presentar el género masculino sino también por el tema de la intervención femenina. Sin embargo, los académicos consideraron los dos temas por separado.

Gitsby muestra mucha conexión que surge entre los artistas y la gente de la sociedad. La mayoría de las obras artísticas que los artistas presentan a la sociedad juegan un papel en el proceso de amontonamiento de personajes individuales o sociales. En su argumento, muestra que los artistas tienden a influir en la moda de muchas personas en la sociedad. Esto se ha observado en muchas sociedades donde la gente tiende a vestirse basándose en algunos factores presentados por artistas populares (Grigsby, 326). Basando su argumento en la pintura de David, Herosilian fue una mujer que fue comparada con las mujeres reales de la Francia posrevolucionaria. Según Gitsby, David, como artista, fue responsable del colapso de este arte popular y de la moda clásica. Herosilia, tal como la describe Gitsby, fue una de las mujeres que se vistió basándose en la protagonista femenina de las pinturas prerrevolucionarias de David (Grigsby, 329). Por ello, la presentación de la “intervención de las sabinas” influyó negativamente en la moda de las personas en la sociedad.

Además, es evidente del argumento de Gitsby que la mayor parte del arte que presentan los artistas surge de problemas sociales. El varón que se presenta desnudo es visto como un reflejo del hombre moderno desnudo, humillado ante la sociedad por sus vulgares prácticas culturales. Esta descripción dada por Gitsby sobre cómo se retrata a los hombres desde su inmoralidad es una evidencia viable.

Al presentar sus argumentos con respecto a la pintura de David, utiliza información histórica que relaciona con acontecimientos modernos. Hace un análisis de las obras de arte que se presentaron en el pasado y cómo influyeron en la sociedad. La mayoría de ellos influyó positivamente en la sociedad, mientras que parte del arte condujo al colapso de la moralidad entre otros factores de la sociedad.

En la mayoría de sus argumentos, seguramente respaldará la información presentada con argumentos sólidos. Lo que es agradable de ella es el hecho de que tiene una opinión que apoya firmemente. A lo largo de su argumento, se centra en criticar la pintura de David porque no crea un impacto positivo en la sociedad. Por lo tanto, es increíblemente acérrima a la hora de apoyar su argumento sobre la pintura de la "intervención de las sabinas".

En conclusión, el arte debe utilizarse en la sociedad para transmitir información importante. Como medio de comunicación para la sociedad, los artistas deben considerar los elementos que utilizan para presentar la información deseada a su público objetivo. Es evidente que una obra de arte puede causar un gran impacto en la sociedad, ya sea positiva o negativamente. Por esta razón, todos los artistas deben tener cuidado en el diseño y presentación de sus obras de arte al público.


Reseña: Agresión sexual como lección de historia y sátira

Solo uno de los personajes principales de "La violación de las sabinas, de Grace B. Matthias", una nueva obra de Michael Yates Crowley, es un ser humano vivo. Ella es Grace, una adolescente en un Springfield genérico donde reina el equipo de fútbol y las chicas “raras” son llamadas cerdas con impunidad.

Pero los antiguos sabinos tienen la misma facturación. Conmemoradas en el mito y en el cuadro "La intervención de las sabinas" de Jacques-Louis David, están aquí para recordarnos, a través de la historia de su secuestro por guerreros romanos y su pacificación durante la guerra subsiguiente, de la larga y casi papel fundamental de la violación a lo largo de la historia.

Si Crowley se ha propuesto escribir nada menos que un tratado sobre la cultura de la violación, ahora y siempre, quiere que su obra, que se estrenó el domingo en una producción de Playwrights Realm en el Duke en la calle 42, sea mucho más. Un esfuerzo serio por dramatizar una violación y sus repercusiones, también se atreve a ser una sátira, una comedia de secundaria y una historia de mayoría de edad en la que la victimización se convierte en fuerza a través de la intuición.

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Eso es mucho para que sea una obra de teatro, y la combinación no siempre es cómoda. Parte de la incomodidad es deliberada: el Sr. Crowley está demostrando que la historia de la violación atraviesa todos los demás tipos de historias que contamos. Aún así, él está en su forma más segura de apegarse a esta historia en particular, en la que Grace, una niña inteligente pero torpe de 15 años que ronda al margen de la multitud popular, es violada por Jeff, un chico que le gusta en el equipo de fútbol.

Ni el acto ni su respuesta emocional al mismo se simplifican demasiado. Jeff no es el neandertal obvio en el equipo - naturalmente llamado los romanos - sino más bien el compañero sensible del neandertal, y Grace mantiene ideas románticas sobre él incluso después del crimen. Le gustaría perdonarlo, ya que cree que las sabinas perdonaron a sus violadores romanos al casarse con ellas.

Pero las respuestas de todos los que la rodean la despojan de estas ilusiones. Monica, su amiga animadora, la intimida para que se quede callada, y los medios de comunicación locales, personificados por un presentador bufón compuesto llamado The News, se enfocan en el daño potencial a la temporada de los romanos. Sus vecinos también se vuelven contra ella, invocando el clásico, aunque contradictorio, "ella lo pidió" engaños: estaba borracha cuando sucedió. En primer lugar, no debería haber estado sola con el chico. Ella no dijo que no, así que eso debe haber implicado consentimiento.

Estos y otros detalles recuerdan violaciones reales, especialmente el caso de 2012 de una niña de 16 años en Steubenville, Ohio, que fue agredida sexualmente por miembros del equipo de fútbol de la escuela secundaria mientras estaba inconsciente después de beber. Los dos adolescentes en ese caso fueron condenados, pero los cargos de agresión sexual contra un jugador en otro caso relacionado con el fútbol el mismo año, en Maryville, Missouri, fueron retirados. (Más tarde se declaró culpable de un delito menor y fue sentenciado a dos años de libertad condicional). Crowley se basa en elementos de ambos casos para crear una situación dramática en la que Grace no puede encontrar la manera de prevalecer, ni legal ni espiritualmente, contra un arraigado sistema de revictimización posterior a la violación.

Sin embargo, abstrayendo esa situación hay filtros y marcos que son demasiado barrocos para el bien de la obra. Su superestructura temática sobredesarrollada incluye no solo a los sabinos, cuyo líder, Hersilia, hace apariciones espectrales ocasionales, sino también las obsesiones de Grace con las minas abandonadas, los incendios perpetuos y los bomberos fornidos. Otros elementos están subdesarrollados: el padre de Grace ha dejado a la familia, desapareciendo incluso más allá del alcance del correo electrónico, y su madre, que trabaja en el turno de noche, se reduce a una voz que rara vez se escucha fuera del escenario.

Sin embargo, que Grace emerja como un personaje completo es en parte el resultado de la conmovedora convicción que Susannah Perkins le infunde. Como lo hizo interpretando a una adolescente inteligente y obsesionada con las atrocidades en "Los lobos" de Sarah DeLappe, Perkins maneja la difícil tarea de sugerir las inconsistencias de un personaje en el proceso de formación y deformación a la vez. Mira cómo usa su suéter holgado como manta de seguridad y armadura.

Pero si Perkins se las arregla para cargar con el equipaje simbólico con el que Crowley ha cargado a Grace, la mayoría de los otros personajes se hunden bajo su sátira. El compañero de equipo de Neanderthal (Alex Breaux) es un caso de armario ridículamente sobrecompensado, y Monica (Jeena Yi) es una enemiga de los números. Jeff, interpretado con audaz simpatía por Doug Harris, es menos monocromático pero permanece en gran parte vacío por razones que parecen más políticas que dramáticas. Y los consejeros, abogados y "expertos varones en violación" incompetentes, venales y cínicos son obviamente hombres de paja.

Para cuando el Sr. Crowley comience a apuntar sus flechas a una fruta madura como Wikipedia, usted puede sentir, como yo, que el proyecto de examinar la cultura de la violación ha pasado a un segundo plano en comparación con el proyecto de hacer que ese examen sea menos sombrío. Desafortunadamente, el material destinado a ser divertido es demasiado sencillo tanto para el sujeto como para la audiencia. Como ya conocemos bastante bien este territorio, la sátira parece obvia. Y el material de Sabine, incluido en una clase de historia del arte, se siente durante la mayor parte de la obra como notas al pie.

Es una pena porque otros elementos, que se acercan más a la historia principal, siguen siendo frescos y desafiantes. En varios momentos, el director Tyne Rafaeli abre las cortinas azules del auditorio de la escuela secundaria de Arnulfo Maldonado para revelar escenas misteriosas como aquella en la que Grace y Jeff nadan juntos en un lago por la noche. En su complejidad y peligro, estas escenas dejan entrar una verdadera incomodidad en una discusión que de otra manera parece demasiado ansiosa por decir lo correcto.

No es que decir lo correcto sea siempre incorrecto. Un propósito válido del teatro puede ser mostrarnos cómo las personas sobreviven a los desastres tristemente comunes del ser humano. “Una buena historia, bien contada, puede ampliar el espacio en el que somos libres”, escribe el dramaturgo en una nota del programa. En ese sentido, la conexión de Grace con las sabinas y la lección equívoca que eventualmente extrae de ellas son útiles y le dan a la obra un final inesperadamente fuerte. Puede ser didáctico, pero en una crisis, como en un incendio, uno está agradecido de que incluso las señales poco sutiles marquen el camino de escape.


Rompiendo el significado oculto en el video "APESH * T" de Beyoncé y JAY-Z

Para acompañar el lanzamiento sorpresa de su tan esperado álbum colaborativo, Todo es amor, Beyonc & eacute y JAY-Z (o, The Carters) desataron una poderosa imagen para una de las pistas producidas por Pharrell, "Apeshit", que fue filmada en el Louvre en París.

Incluso sin una referencia visual, la letra de "Apeshit" se leía como un testimonio de la excelencia negra como artistas, tanto Bey como JAY han hecho que las multitudes se vuelvan "ridículas" en todo el mundo, tanto a través de sus lanzamientos como durante sus shows en vivo. La longevidad de su éxito como artistas los ha hecho increíblemente ricos, lo que ha dado como resultado que la pareja se mueva en círculos diferentes y más refinados, círculos que incluyen a artistas como Swizz Beatz, que pueden dejar caer un par de millones en una obra de arte. , por ejemplo. Demonios, en "The Story of O.J." de 2017, Hov habló sobre cómo la obra de arte que ha comprado ha aumentado en valor en los últimos años, dividendos que planea transmitir a sus hijos.

Compré algunas obras de arte por un millón
Dos años después, esa mierda vale dos millones
Pocos años después, esa mierda vale ocho millones
No puedo esperar para darles esta mierda a mis hijos

Hov incluso convirtió su Carta Magna. Santo Grial sencillo "Picasso Baby", una canción sobre su creciente amor por el arte, en una obra de arte de performance junto a la artista de performance serbia Marina Abramović.

El aprecio de JAY y Bey por el arte, evidenciado por la inversión de la pareja de $ 4.5 millones en una pieza de Basquiat (la meca, 1982) en 2013, incluso se le ha contagiado a su hija, Blue Ivy, quien compró una pieza de Tiffanie Anderson por casi $ 20,000.

Sin embargo, ¿cómo acabó filmando el vídeo de "Apeshit" en el Louvre? Un portavoz del Louvre dijo Buitre que The Carters presentó un concepto que "mostró un verdadero apego al museo y sus queridas obras de arte" en mayo de 2018.

Incluso si no eres un historiador del arte, probablemente hayas oído hablar del Louvre. Es el museo de arte más grande del mundo, que atrajo a más de 8.1 millones de visitantes solo en 2017. El museo alberga algunas de las obras de arte más famosas del mundo, incluida la Mona Lisa y Virgen y Niño con Santa Ana. A primera vista, filmar un video en un lugar tan famoso es la máxima flexibilidad: ¿cuál de tus favoritos que no se llame JAY-Z o Beyonc & eacute podría lograrlo?

Cuando profundizas en cómo Bey y JAY incorporaron el famoso trabajo del Louvre en "Apeshit", hay un montón de simbolismo poderoso que desentrañar. Tenga la seguridad de que nada de lo que hacen los Carter es por accidente.

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Qué tal chicos Frazier aquí para Complex News. Para acompañar el lanzamiento sorpresa de su tan esperado álbum colaborativo, Beyonc & # xE9 y JAY-Z lanzaron lo que podría ser un nuevo contendiente para el video del año para el & # x201CApeshit producido por Pharrell. & # X201D. Configuración de # x2019s. en y alrededor de varias obras de arte icónicas en el museo más famoso del mundo, el Louvre.

Por más impactante que sea, es también la conclusión lógica del amor de Bey y Jay por esta mierda de arte. Los nombres de Jay, Basquiats y Rothkos, se remontan a varios álbumes y, a medida que aumenta su patrimonio neto, también lo hace su colección privada. No olvidemos a Picasso Baby, un tema musical de Christies que incluso incluyó un cameo de Marina Abramovi & # x107 en el video.

JAY y Bey & # x2019s aprecian el arte & # x2014, evidenciado por el par que gastó $ 4.5 millones en una pieza de Basquiat (La Meca, 1982) en 2013 & # x2014 incluso se ha contagiado con su hija, Blue Ivy, quien compró una pieza de Tiffanie Anderson por casi $ 20.000.

Sin embargo, ¿cómo acabó filmando el vídeo de & # x201CApeshit & # x201D en el Louvre? Un portavoz del Louvre le dijo a Vulture que The Carters presentó un concepto que & # x201C mostró un apego real al museo y sus queridas obras de arte & # x201D en mayo de 2018.

No necesita un título en historia del arte para saber que el Louvre es el museo de arte más grande del mundo y atrajo a más de 8,1 millones de visitantes solo en 2017. El museo alberga algunas de las obras de arte más famosas del mundo y una de las más famosas, como la Mona Lisa y la Virgen y el Niño con Santa Ana. A primera vista, filmar un video en un lugar tan famoso es lo último en flex & # x2014, ¿cuál de tus favoritos que no se llame JAY-Z o Beyonc & # xE9 podría lograrlo?

Cuando profundizas en cómo Bey y JAY incorporaron el famoso trabajo del Louvre & # x2019 en & # x201CApeshit, & # x201D, hay un montón de simbolismo poderoso para desempacar. Tenga la seguridad de que nada de lo que hacen los Carter es por accidente.

Las piezas neoclásicas que aparecen en las imágenes de & # x201CApeshit & # x201D aparecen con un propósito potente. Beyonc & # xE9 & # x2019s ascendencia franco-criolla (del lado de su madre & # x2019s) le dan vínculos con la trata de esclavos y Napoleón III, quien colonizó Europa, África del Norte y otras áreas durante su reinado de 1852 a 1870. En el video, Beyonc & # xE9 aparece con sus bailarines frente a Jacques Louis David & # x2019s The Coronation of Napoleon & # x2014, que presenta a Napoleón coronando a Josephine & # x2014 mientras canta sobre ella & # x201Telas caras & # x201D. La usuaria de Twitter Queen Curly Fry señala la profundidad de este momento y la importancia de # x2019s: la esposa de Napoleón y # x2019, Josephine, fue coronada emperatriz mientras lucía ropa cara durante la coronación. Bey alquilando el Louvre para un video y atrofia de pies a cabeza en Burberry frente a muchas obras de arte famosas podría verse como Bey poniéndose Josephine.

Una vez más, a simple vista, podría ser una referencia ingeniosa destinada a los nerds de la historia del arte. Pero teniendo en cuenta la ascendencia de Bey & # x2019, se siente como una declaración más profunda sobre cómo Beyonc & # xE9 ha convertido el dolor del colonialismo en su cabeza, desafiante.

Una de las obras más evocadoras que aparecen en el visual de & # x201CApeshit & # x201D es el cuadro de Jacque-Louis David & # x2019s 1799, La intervención de las sabinas, que se muestra varias veces a lo largo del video. Esta pieza en particular ilustra una historia romana sobre una mujer, Hersilia, que interviene durante una batalla entre su esposo y su padre. Su intervención obliga a su esposo, Romulus, a pensarlo dos veces antes de golpear a su padre con una lanza y un reconocimiento marcado y continuado del poder de las mujeres como pacificadoras ''.

Estas imágenes se yuxtaponen con imágenes de bailarinas de Bey & # x2019s, mujeres negras empoderadas de todos los tonos, ya sea en una escalera en el Louvre o junto a Bey frente a la mencionada Coronación de Napoleón. Viniendo de una artista dominante como Bey, cuya carrera refleja un esfuerzo constante por destacar a las feroces mujeres negras en su arte, esta es una afirmación del poder y la belleza de las personas negras, y las mujeres negras en particular.

Para un álbum que muchos ven como la tercera instalación & # x2014 y conclusión musical & # x2014 de la saga de relaciones de JAY y Bey & # x2019s después de Lemonade y 4:44, hay una serie de casos en los que el arte presentado parece hablar directamente de lo que The Carters tiene pasado juntos.

En varias tomas, se ve a JAY de pie frente a The Raft of Medusa, que captura el horrible espectáculo del M & # xE9duse, un naufragio que resultó en que solo 15 personas de las 147 a la deriva sobrevivieran. Es una pieza que destaca el caos y la lucha que soportaron los pasajeros supervivientes, lo que podría interpretarse como una metáfora de cómo JAY evitó por poco arruinar su matrimonio con Beyonc & # xE9 cuando la abandonó repetidamente.

Por otro lado, Bey patea sus versos mientras está de pie frente a Winged Victory of Samothrace mientras luce un disfraz que refleja lo que Victory lleva en la estatua. Se podría decir que esto simboliza a Bey saliendo victoriosa de la batalla & # x2014, ella pasó por una mala racha en su matrimonio y aún así salió victoriosa. Tal vez esa sea la razón por la que JAY y Bey finalmente se ven de pie frente a Venus de Milo (también conocida como Afrodita, la diosa del amor) juntos.

Aparte del Retrato de una mujer negra, las únicas imágenes de personas negras que vemos en el museo las representan como animales o son problemáticas. Esta idea refleja el comercio de esclavos francés (nuevamente, remontándose a la herencia criolla de Beyonc & # xE9 & # x2019s), donde los negros eran efectivamente vistos como & # x201Cstock & # x201D a la venta. También se pueden hacer comparaciones con la brutalidad policial y la violencia sin sentido que ha llevado a que personas negras desarmadas sean asesinadas de forma regular, lo que demuestra que algunos todavía ven a las personas negras como infrahumanas.

Las imágenes de hombres negros arrodillados mientras JAY toma fotos en la NFL y explica por qué se negó a participar en el Super Bowl son una reminiscencia de las protestas del Himno Nacional, que todavía son un tema de debate acalorado en la NFL. Se rumoreaba en septiembre de 2017 que JAY rechazó específicamente la oferta de actuación del Super Bowl de la NFL y # x2019 como muestra de solidaridad con Colin Kaepernick, quien fue el primero en la NFL en protestar contra el Himno Nacional, diciendo que simplemente & quot; no iría levantarse para mostrar orgullo por una bandera de un país que oprime a los negros y a las personas de color.

Con solo unas pocas imágenes, Bey y JAY vincularon siglos de opresión contra los negros, haciendo que la lucha sea relevante para la audiencia actual. En última instancia, puede ver este video como la secuela ultra costosa de Watch the Thone & # x2019s & # x201CNiggas in Paris, & # x201D, pero mostrando una flexibilidad mucho más grande e importante. Para un par de personas que alguna vez fueron vistas como & # x201Cgorillas & # x201D por las personas destacadas en las imágenes en todo el Louvre, Bey y JAY reclaman agresivamente el espacio, aprovechando la oportunidad para crear una poderosa declaración visual que lleva al pasado a la tarea mientras arrojando luz sobre la persecución continua que enfrenta su pueblo hoy. El resultado es un hip-hop de alto concepto que es mucho más que un flex vacío.

Para obtener más historias sobre el desempaquetado del nuevo álbum de The Carters, manténgalo bloqueado aquí, en Complex News en YouTube, así como en el complejo punto com. Para Complex, I & # x2019m Frazier.


Una ruina: Jacques – Louis David’s Mujeres sabinas

La Exposición de los Sabinos (1799-1805) es una obra perdida de Jacques-Louis David, que pertenece a un género que hoy llamamos "instalación": un dispositivo artístico, formado por la relación de varios objetos dispuestos en un espacio tridimensional. Esta obra ha sido ampliamente descuidada por los historiadores, que a menudo la han visto como una simple manifestación secundaria de la actividad del pintor: esta exposición independiente, por la que se cobraba una tarifa, solo sería un elemento accesorio, contribuyendo al contexto de la recepción. por lo que constituía la obra de arte propiamente definida, la pintura del Sabinos. No obstante, sigue siendo posible considerar, teniendo en cuenta fuentes contemporáneas, la organización material de la exposición como la creación de un entorno artístico (ficticio) dispuesto en tres dimensiones, resultado de las relaciones que se establecen entre la pintura, un espejo (cuyo la identificación como 'psique' permanece indecisa) y la presencia de espectadores. Esta creación produjo tanto efectos formales (estéticos) como significados simbólicos, que nos autorizan a hablar en términos de "obra". Una de las características más fundamentales de este objeto atípico es el hecho de que no se ha conservado. Su existencia temporal limita su aparición a una representación teatral o, en términos contemporáneos, a una performance u otro tipo de intervención temporal: instalación, obra in situ, sucediendo, etc.


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¿Los fans de Beyoncé tienen que perdonar a Jay-Z?

El matrimonio de conquista de Beyoncé y Jay-Z

Beyoncé Limonada y la sacralidad del sexo

En "Apeshit", ambientada en el Museo del Louvre de París y plagada de imágenes centenarias de conquista, los Carter se presentan a sí mismos como un tipo moderno de familia real, una que no está dirigida por un patriarca, sino por dos socios iguales. Los otros hombres y mujeres que pueblan el video también adoptan un enfoque más mutualista y fluido del género y el poder. Los hombres se muestran como elegantes y valientes, las mujeres como matronas y agresivas, aunque son estas últimas las que se describen en "Apeshit" como la columna vertebral del mundo de los Carter.

A lo largo del video, Beyoncé y Jay-Z se inspiran en la fuerza y ​​la gracia de las mujeres. En el ahora icónico primer vistazo de la pareja, la cámara se desliza hacia ellos mientras se paran frente a la Mona Lisa, cada uno con trajes de color pastel sin camisa debajo. La toma de cuerpo entero llama la atención sobre los pantalones de Beyoncé y el elegante atuendo de Jay-Z mientras el dúo recrea la mirada de la mujer en la pintura. La otra obra de arte principal que orienta "Apeshit" es una estatua de una diosa, la Victoria alada de Samotracia, que parece simbolizar su éxito, como individuos y como pareja. En otro punto del video, las bailarinas que yacen en las escaleras debajo del dúo se asemejan a una base, levantando el "imperio" de los Carters con movimientos similares a los de un pulso. A veces, la formación de los bailarines recuerda una columna vertebral.

En "Apeshit", el arte clásico ayuda a definir la visión de los Carter de cómo hombres y mujeres se relacionan entre sí. El video contrasta sutilmente pinturas de sufrimiento en sociedades controladas por hombres, como la antigua Roma, con escenas pacíficas actuales de parejas que presumiblemente son iguales. Quizás el trabajo más sorprendente que muestra el precio de la violencia masculina es La intervención de las sabinas por Jacques-Louis David. Representa a un grupo de mujeres, que fueron secuestradas y violadas por soldados romanos en el siglo VIII a. C., arrojándose entre sus captores y los hombres de su ciudad natal en un esfuerzo por detener la guerra. El cuadro, una declaración política propia, destaca la ruptura del orden que puede ocurrir cuando no se respeta a las mujeres. Más adelante en "Apeshit", una pintura de una mujer llorando que se aferra desde abajo a un hombre angustiado (los dos atrapados en el "infierno" por adulterio) es seguida por una escena contemporánea de un hombre negro que apoya pacíficamente la cabeza sobre el pecho de un hombre. mujer mientras lo sostiene. Cuando los dos se besan y se acarician, están a la altura de los ojos y ninguno es más dominante.

Momentos similares de ternura mutua aparecen a lo largo del trabajo de los Carter, lo que sugiere una resonancia personal para el dúo. Todo es amor está salpicado de letras que se deleitan con la dulzura, sobre todo en la canción "Summer" cuando Jay-Z dice: "Nos abrazamos, hicimos el amor, en los asientos ... Vimos cómo el cielo se tornaba melocotón ... Ella sabe a Corona Light, dulce". Beyoncé agrega que deberían "hacer planes para estar en los brazos del otro". Estas escenas marcan una desviación dramática de la dinámica sexual más agresiva de videos musicales anteriores como "Déjà Vu" de Beyoncé. B’Day en 2006, o "Partition" de su álbum homónimo de 2013. En esta etapa de su relación, es difícil imaginar a la pareja reduciendo la sexualidad de Beyoncé a un accesorio ornamental como lo han hecho en el pasado. En el "Anuncio de servicio público" de 2003 de Jay-Z, por ejemplo, enumera sus muchos logros, incluido "Conseguí a la chica más sexy del juego con mi cadena". Y el Jay-Z de hoy parece haber encontrado una manera de regodearse de sus habilidades en los reinos típicamente asociados con las mujeres. En "Black Effect", dice: "Me gusta la lluvia violeta y violeta ... Esta gente intenta sacarme la pintura porque cocino berza y ​​ñame mejor que tu tía".

A pesar de que el álbum se centra en una masculinidad más suave, gran parte de Todo es amor También está impulsada por Beyoncé dejando de lado los estereotipos femeninos. Ella rechaza las expectativas de comportamiento femenino a lo largo del disco, hablando más de lo habitual sobre fumar y repitiendo la clásica letra de hip-hop de Notorious B.I.G., "Si no lo sabes, ahora lo sabes, nigga". En el video de "Apeshit", Beyoncé se sienta en el suelo con un vestido caro exigiendo "Pon algo de respeto en mi cheque" más tarde, haciéndose pasar por un retrato real, rapea "Get off my dick", asumiendo un papel asertivo porque —Como dice en la canción "Boss" - "no hay nada". Este estilo suyo no es totalmente nuevo, pero Jay-Z había estado notablemente ausente en algunos de sus momentos más memorables de toma de poder, como su línea favorita de los fanáticos sobre Red Lobster en "Formation" o cualquiera de las pistas más enojadas de Limonada. En el video musical de la canción de 2006 de Beyoncé, "Upgrade U", ella se viste como Jay-Z, sincronizando los labios con partes de su verso (mientras él está fuera de cámara) con una arrogancia estimulante. Pero cuando finalmente llega a la pantalla, ella equilibra su bravuconería y vuelve a una apariencia clásica femenina, con un sensual vestido blanco.

Beyonce se toma de la mano de bailarines frente al cuadro de Jacques-Louis David de la coronación de Napoleón en el video "Apeshit". (YouTube)

Entonces, lo que es diferente en "Apeshit" no es que Bey esté expresando su independencia, es que a menudo lo hace con Jay-Z en el marco. Este cambio agrega una capa de significado a la danza que realiza antes de la pintura de David de la coronación de Napoleón Bonaparte. La obra muestra a Napoleón coronando a su esposa Josefina Bonaparte, emperatriz de Francia en su propia coronación en 1804 mientras ella se arrodilla ante él. (Al principio de la ceremonia, se había coronado a sí mismo emperador). La decisión de Napoleón de que su pintor oficial capturara este momento era, en ese momento, una forma de honrar a su esposa.

En el mundo actual de los Carter, por supuesto, las mujeres no necesitan que los hombres les otorguen estatus. En cambio, Beyoncé usa la pintura para, por un lado, alinearse con la emperatriz, proclamando en su verso (que entrega en parte junto a Jay-Z) que ella también tiene “telas caras” y “hábitos caros”. " Pero también socava la dinámica de poder de la ceremonia de la pintura, diciendo: "Quiere ir conmigo ... Quiere estar conmigo", segundos después dice: "Le compré un jet / Apaga Colette". (Colette era una tienda minorista francesa de alta costura). En cierto modo, el video musical es la ceremonia de coronación de los Carters, solo que en su versión, nadie está de rodillas.

Además de centrar a las mujeres, "Apeshit" reconoce las experiencias sociales y las luchas particulares de los hombres. Los versos de Jay-Z y las escenas de jóvenes negros arrodillados reconocen el insulto que representa para ellos la controversia entre el himno y la protesta de la NFL, específicamente. “Le dije que no al Super Bowl. Me necesitas. No te necesito ", rapea Jay-Z, como si entendiera que está en una posición única para defender a los jóvenes y a sí mismo. Ese comentario político agrega gravedad a una toma en solitario relacionada en el video, cuando Jay-Z sonríe junto a una pintura, Theodore Gericault La balsa de la Medusa, que muestra una balsa destruida en aguas turbulentas con un hombre negro guiándola con valentía. Los ejemplos de asertividad masculina en el mundo de los Carter son decididamente esperanzadores más que violentos. Hay un disparo rápido de las lanzas levantadas de La intervención que corta a una fila de jóvenes negros apuntando al cielo, solo que su gesto no es destructivo: parecen líderes, no conquistadores.

Entonces, ¿cómo una de las parejas más visibles en el mundo de la música, que ya han realizado giras juntas y han publicado décadas de videos sobre su amor, sexo y éxito mutuo, creó algo que se siente incluso un poco fresco? El espectáculo de hacer arte nuevo utilizando algunas de las artes occidentales más famosas del mundo ciertamente ayudó. Pero aunque el dúo había lidiado con sus concepciones cambiantes de género en sus propios proyectos, "Apeshit" y Todo es amor representan el primer intento real de los Carter de unir esas ideas en un todo cohesivo. Hasta este punto, la mayoría de sus colaboraciones las habían acreditado por sus respectivos nombres: como “Jay-Z feat. Beyoncé ”o viceversa. Pero su nuevo alias conjunto, "los Carter", indica una mezcla de su arte.

El último proyecto del dúo está, sin duda, lejos de ser un examen revolucionario del amor y el afecto heterosexual. Como señaló mi colega Hannah Giorgis, puede ser frustrante pensar en Beyoncé trabajando para ayudar a Jay-Z a descubrir una masculinidad más saludable, en parte porque su antigua imagen de sí mismo puede haberlo llevado a engañarla. And they don’t go so far as to reverse gender roles I’m sure many fans would’ve liked to see an album cover where a man was instead shown tending to a woman’s hair, for instance. More broadly, “Apeshit” will likely continue to spur debate about its other prominent themes, like the pursuit of wealth or the takeover of elite white spaces. Still, the couple’s effort to portray equality is refreshing in light of their past collaborations—a welcome change from their video-girl-meets-powerful-businessman playbook of yesteryear. At least when it comes to their ongoing interrogation of their marriage, the Carters seem to be following the stream of history.


The Intervention of the Sabine Women - History

Creative Time presents the U.S. premiere of Eve Sussman & The Rufus Corporation&rsquos acclaimed video-musical, The Rape of the Sabine Women, with an original score by Jonathan Bepler, as a free public screening for one week during the Armory Show, February 22- 27, 2007. Developed through improvisation, The Rape of the Sabine Women is a re-interpretation of the Roman myth, updated and set in the idealistic 1960&rsquos. Filmed with a cast of hundreds, and shot on location in Athens and Hydra, Greece, and in Berlin, Germany, this eighty-minute video was directed by Eve Sussman with an original Score by Jonathan Bepler, choreography by Claudie De Serpa Soares, and costumes by Karen Young.

The Rape Of The Sabine Women was conceived as allegory based loosely on the ancient myth that follows Romulus&rsquo founding of Rome and inspired by Jacques-Louis David&rsquos 1799 painting, Intervention of the Sabine Women. Re-envisioning the myth as a 1960&rsquos period piece with the Romans cast as G-men, the Sabines as butchers&rsquo daughters, and the heyday of Rome allegorically implied in an affluent international style summer house, this version is a riff on the original story of abduction and intervention, in which Romulus devises a plan to ensure the future of the empire. While the Roman myth traces the birth of a society, this telling suggests the destruction of a utopia. The intervention of the women is fraught, and the chaos that ensues transforms the designed perfection into nothingness.

With this improvised dramatization, Sussman follows her lauded video 89 seconds at Alcazar&mdashunveiled at the 2004 Whitney Biennial and based on Diego Velasquez&rsquos Las Meninas&mdashin bringing yet another iconic painting to life. Forgoing the compromise of the original, this unique re-imagining pits mid-twentieth century ideals against the eternal themes of power, longing, and desire. The modern process piece&mdasha product of 140 hours of video footage and 6000 photographs&mdashfeatures distinct pieces of music composed by Jonathan Bepler, recorded live on site and incorporating a bouzouki ensemble, a Pergamon coughing choir, and a chorus of 800 voices.

The video-musical, choreographed by Claudia de Serpa Soares, is conceived in an operatic five act structure. The Rape of the Sabine Women opens in Hydra&rsquos Pergamon Museum, moving to Berlin&rsquos S-Bahn and Tempelhof Airport, Athens&rsquo Agora meat market, a classic modern 60&rsquos dream house overlooking the Aegean, and finally, Athens&rsquo Herodion Theatre.

Act II
A Mirage
A Convention
Men with Taps
Bouzoukis


The History of The Rape of the Sabine Women
This ancient account of the abduction of the Sabine women comes from the Roman historian Livy who wrote around the turn of the 1st Century during the Augustan Era. A short translation is available as a PDF. Haga clic aquí.

World Premiere Tour Dates
Greece: Thessaloniki International Film Festival, Nov 19, 2006
Germany: Berlin, Hamburger Bahnhof Museum für Gegenwart,
Jan 25 - Mar 4, 2007
U.S.: IFC Center, New York City, Feb 21 &ndash 27, 2007
REINO UNIDO: Project Space 176, London, Sep 2007
University of Chicago: The Smart Museum of Art, Jan - May 2008

The NYC premiere is supported by the Richard J. Massey Foundation for Arts and Sciences, Roebling Hall, the Zabludowicz Collection - Project Space 176, and Dreamhire Audio.

SPECIAL SCREENING ON THE 59TH MINUTE IN TIMES SQUARE
A one-minute segment of The Rape of the Sabine Women will air on the last minute of every hour on Creative Time&rsquos 59th Minute: Video Art on the Astrovision Screen by Panasonic from February 21 &ndash April 30, 2007.
Visit The 59th Minute site for more information.


What About the Art in “Apesh*t”?

Beyoncé and Jay-Z’s new music video was filmed entirely at the Louvre museum. What messages hide in the histories of the featured artworks?

Over Father’s Day weekend, Beyoncé and Jay-Z released a music video for their new track “Apeshit” from their collaborative album Everything is Love. It includes five densely-packed minutes of art, fashion, and performance filmed on an epic scale at the Louvre.

It could be said that they are using their elite status and wealth to buy out the physical vestibule that holds the paragons of Western (and white) art. Over the course of the video, they re-populate this space with black and brown bodies. It could also be said that they are critiquing the museum as a colonial vault, highlighting the imperial roots of such museums as the Louvre. Much like the World’s Fairs, these exhibition spaces were founded upon Europe’s exploitation of colonies—asserting political dominance through a cultural looting and visual display of ownership. Some have noted that Beyoncé and Jay-Z are commenting on the history of visual oppression in Western art, art that has been made to affirm and assert whiteness as the norm while erasing black culture.

The art they chose to highlight has particular significance, as explored through some of the biggest artworks, which serve as characters in the Carters’ video.

En Victoria alada de Samotracia (190 B.C.E.), the now-iconic headless, armless female body is perched atop a low pedestal, as if about to take flight. At the heart of one of the most heated restitution debates between Greece and France, Victoria alada now serves as a symbolic stand-in for the ongoing debates about art repatriation. In “The Parthenon Marbles Custody Case,” scholar Shareen Blair Brysac discusses some of demands for restitution, while also introducing many curators’ hesitation against it: “The possibility of their return causes sleepless nights for curators the world over. If the marbles were returned to Greece, runs the argument, the halls of western museums would be virtually emptied of their treasure.” Recently, similar conversations about provenance were alluded to in Pantera negra.

Winged Victory of Samothrace (via Wikimedia Commons)

By including the Victoria alada de Samotracia, the Carters force us to wonder: Where does this art come from? How was it acquired? What violence led to the art’s ending up in a museum like the Louvre (or the Getty or the Met)? And how does that change the viewer’s experience of the art in this space? Beyoncé also physically inserts her body, and her dancers’ bodies, into this conversation. They stand in a layered line down the stairs from Victoria alada, offering the goddess herself a plethora of moving arms in place of her missing limbs—transforming a white, static space into one of diverse movement and agency.

In a recurring shot of Jay-Z, he stands before Théodore Géricault’s Raft of the Medusa, 1818-1819. The history of this work cannot be overlooked. Raft depicts the tragic loss of life after the ship capsized off the coast of Senegal in 1816. The Medusa was part of a fleet of ships trying to reclaim Senegal from Great Britain as a French colony. There were not enough lifeboats when the Medusa capsized, so the carpenter on board engineered a raft for 147 of the lowest-class soldiers and settlers. At first one of the lifeboats towed the raft, but eventually the now-infamous captain abandoned it in order to save the boat. Anthony Brandt writes that “[w]hat transpired on the raft is a horror story of mutiny, starvation, and despair.” Only fifteen people survived (five of whom died soon after), and these survivors told harrowing tales of death, cannibalism, and a fight for survival.

Géricault became obsessed. In his studio, he recreated a life-sized replica of the raft, based on a survivor’s drawing. He interviewed survivors, visited the morgue, drew from amputated body parts, and studied classical compositions of the body. His work was a visual recollection of the horrors that come from slavery, colonialism, corruption, and elitism: an early example of art for social justice. Brandt describes how the shipwreck impacted French culture and politics, while the painting “remains one of the great witnesses to human indifference to the suffering of others.”

The Raft of the Medusa by Théodore Géricault (via Wikimedia Commons)

As Jay-Z stands before this work, the underlying message of Géricault’s original painting is magnified, particularly as many of Jay-Z’s lines in “Apeshit” are also inherently political. (In one scene, he says “I said no to the Super Bowl/You need me, I don’t need you” while rows of young black men kneel in formation, a clear nod to Colin Kaepernick’s peaceful protest of kneeling during the national anthem.)

Neoclassical history painter Jacques-Louis David gets a lot of screen time as well, with paintings such as Juramento de los Horacios (1784), Intervention of the Sabine Women (1799), and The Consecration of the Emperor Napoleon and the Coronation of Empress Joséphine (1805-7) serving as a backdrop throughout. In one of the most epic scenes of “Apeshit,” Beyoncé stands, flanked by four black women on both sides, all wearing nearly-transparent tops and leggings to match their skin tones in every shade of brown. (Beyoncé stands in the middle wearing a Burberry-esque plaid of pale yellow, picking up on the gold in the painting behind them.) They stand in front of David’s The Consecration of the Emperor Napoleon…, a monumental painting depicting Napoleon and Joséphine during their opulent coronation ceremony. They grab hands and begin dancing in front of the work, again inserting moving black bodies into a traditionally static white space.


Analysis of The Abduction of the Sabine Women

Nicolas Poussin himself produced two versions of this legend: an earlier version (1634-5) now in the Metropolitan Museum, New York and a later version (1637-8) which now hangs in the Louvre, Paris. Both works exemplify the vigorous and assertive style that the artist adopted in many of his scenes from classical history. Indeed, his interpretations of Greek and Roman mythology had a significant impact on the Neoclassical painting of artists like Jacques-Louis David (1748-1825) - see, for instance, his Intervention of the Sabine Women (1799, Louvre) - and J.A.D. Ingres (1780-1867).

Although both versions of The Abduction of the Sabine Women are broadly similar - in both for example, Romulus (left) gives the pre-arranged signal, and chaos fills the canvas - there are differences in composition and colour. The painting in the Met is more controlled, more static, but more colourful while the Louvre picture is more dynamic and has more depth.

Metropolitan Museum of Art Version (1634-5)

Commissioned in 1633 by the French diplomat Marshal de Crequi, this portrayal of 'subdued mayhem' is built around powerful opposing diagonals, and accentuated with vivid blues, reds, pinks and oranges. Poussin has arranged the struggling figures in several layers of action that run in parallel to the foreground, while the flat architectural facade of the building to the right prevents the eye from wandering into the distance. As a result, the composition is much more tightly controlled than its sister in the Louvre. But the vivid colour in the painting imparts greater individualization to the figures in the foreground, which adds to the drama of the scene.

In this version of The Abduction of the Sabine Women - commissioned by Cardinal Luigi Omodei (1607-85), Commissioner-General of the Papal States under Pope Innocent X - Poussin focuses on the panic and confrontation between the men and women, against an architectural backdrop that draws our eye into the distance with diagonals created by the buildings on the right. Notice how the vertical pillars contrast with the horizontal movements of the crowd. The linear perspective created gives the work its vanishing point. Note how the artist organizes the figures along two opposing diagonal lines that commence at the edge of the painting and meet where there is a gap in the landscape. Note also how he creates groups of figures here and there that introduce random elements into the centre of the picture, bringing variety to the tightly structured scene.

Interpretation of Other Baroque Paintings

• The Entombment of Christ (Deposizione) (1601-3) by Caravaggio.
Pinacoteca Vaticana, Rome.

• Judith Beheading Holofernes (1620) by Artemisia Gentileschi.
Uffizi Gallery, Florence.

• Allegory of Divine Providence (1633-39) by Pietro da Cortona.
Palazzo Barberini, Rome.

• Las Meninas (1656) by Velazquez.
Prado Museum, Madrid.

• Apotheosis of St Ignatius (1688-94) by Andrea Pozzo.
Jesuit Church of Sant'Ignazio, Rome.

• For more classical mythological paintings by artists like Poussin, see: Homepage.


The Intervention of the Sabine Women - History


Jacques Louis David. (1748-1825). The Intervention of the Sabine Women. (1799).

This scene of the removal of Sabines was the object of many artistic representations. Sabins are people of central Italy, they live in a mountainous country in the East of the Tiber. The legend reports that Romulus, wanting to get women with his companions, had the idea to organize plays in the great circus. During the spectacle, the Romans removed Sabines An army was raised in response, but Sabines interposed between the combatants with their new-born babies and the two camps were reconciled. It is this angle which David chooses. The artist shows in the foreground 2 combatants the weapons with the hand, ready with fighting, and between them, to separate them, of the women and young children who interposes.

The point of view is at the foreground on the level of the 2 warriors. In front of this multitude the eye has evil to be fixed but very quickly the 2 warriors and the woman the isolated arms assert themselves. Then the glance goes down and the witness notices the children.

The Roman warrior is one the low tension field and the right tension field,
between 2 natural points of interest. The Sabine the isolated arms is cuts one the
lower tension field, closed to has natural not of interest, like cuts the warrior sabin.

One the third of higher pictorial space is reserved for the sky and the fortress.
Below Sabin and the Sabine occupy the left third the Roman warriors the right third.

The large rising diagonal passes on the Sabine and separates the warriors sabin
from the Roman.

This mother holds up her child in front of the spades of Sabins.

There are very young children on the ground and even a baby.

It is indeed a Roman shield. One recognizes the she-wolf nourishing Remus and Romulus.


Ver el vídeo: David, The Intervention of the Sabine Women (Enero 2022).